NAIKARI
Renacimiento /Escenarios
Cuando nos situamos ante la obra de un artista, observamos, miramos, tratamos de conocer las claves que se encuentran en la obra, a veces, nos dejamos transportar por las sensaciones, y uno no sabe muy bien a donde te llevará cada obra, y lo que nos dirá nuestro propio subconsciente si nos reconocemos en esta.
La mirada es importante, detenerse en la obra, mirar, ver. Insisto en este hecho, porque en nuestra sociedad , todo es deprisa, consumimos y nos consumimos deprisa. Sin embargo, para situarse ante una obra se necesita tiempo, y silencio.
Estas premisas , son claves del trabajo de Naikari, en palabras de la artista sobre sus trabajos titulados “RENACIMIENTO” dice: “De la desolación silenciosa la belleza surge desconocida y mágica. “
El tiempo, forma parte de la obra, de la transformación que se genera en lo orgánico, y es el paso del tiempo el que genera belleza, incontrolable, cambiante, y efímera. Es el momento elegido por Naikari para su inmortalización el que nos lleva a la mirada de la artista. ¿Cómo controlar lo incontrolable?, ¿cómo inmortalizar lo efímero?.
Naikari nos lleva más lejos, porque las imágenes que nos encontramos son un momento concreto, pero nos lleva a visualizar de donde surge,Y es en ese preciso momento, mientras contemplamos silenciosos la belleza de la imagen, que entramos en contradicción con la realidad orgánica.
Al enfrentarme a esta serie siento que Naikari quiere romper con esteoripos y con lo inamovible .
Su serie “escenarios” donde se encuentra la presencia de la figura humana, de ella misma, de la intimidad “en mi casa siempre hay limones, unos se secan, otros se pudren”, abarcan el tiempo en la obra misma, en la intencionalidad de la transformación : “sigo esperando a la mariposa. Cada 28 días me transformo, cada 7 años me reinvento. “, nos dice, que nada es inamovible.
La profundidad de su obra, de su discurso, nos sitúa , no solo ante la belleza, sino como testigos del tiempo, de la intimidad, en la cual participamos.
En esta exposición , Frank Westermann nos presenta sus series “Coins” y “Cosidas”. Frank enfrenta estas dos series, como dos mundos interiores:
El viaje interior de “Coins” y la imposibilidad de comunicación de “Bocas cosidas” .
Ambas obras nos muestran los aspectos clave para entender su discurso expositivo en esta muestra.
Al observar la serie “Coins” , me viene a la mente la historia mitológica, parece que Frank nos traslada a la evocación del mito de Caronte .
En este mito el barquero llevaba a las almas que llegaban para cruzar el lago Estigia hasta el Hades. Para pagar el tránsito llevaban una moneda en cada ojo. Estas monedas tapaban sus ojos, y servían al mismo tiempo para pagar el viaje , dejando al barquero una moneda, y la otra por lo que pudiera necesitar.
El mito no es un recurso, sino que nos habla de la necesidad de liberarnos de lo externo, del cuerpo. Frank Westermann en su serie “Coins” plantea e indaga en el viaje interior, eliminando de ese modo lo superfluo, lo innecesario .
Sentir, sentir hacia el interior.
Su obra “Cosidas”, está marcada por un carácter doloroso , femenino, que viene reflejado por el sentido que otorga a la necesidad de plantear su desacuerdo ante ciertas situaciones en nuestra sociedad. El planteamiento de Frank , como creador sensible a la realidad que nos rodea, nos muestra esas mujeres de labios cosidos, que no pueden traspasar una realidad dominada por la indiferencia. Es en ese punto donde Frank encuentra su grito, pues nos pone ante los ojos una realidad a la que él no es indiferente, y que es el reflejo de toda una sociedad.
Las imágenes, bellas, provocadoras, nos presentan mujeres con labios cosidos, pero no por ello son mujeres dóciles, son fuertes, gritan con la boca abierta, porque a veces el grito está dentro.
Volvemos a sentir,
sentir hacia adentro.
In dieser Ausstellung praesentiert Frank Westrmann seine Serien "Muenzen" und "Naehte".Frank beschreibt diese Themen als seine Innenwelten.Die Reise nach innen bei den Muenzen und die Unfaehigkeit der Kommunikation bei den zugenaehten Lippen.Diese Arbeiten zeigen uns die Schluesselaspekte,die uns seine Auseinandersetzung mit den Themen besser verstehen lassen.Bei der Betrachtung seiner Serie "Muenzen" kommt es mir vor als wollte Frank die Erzaehlung ueber den Mythos von Caronte ins Gedaechtnis rufen.In dieser Geschichte bringt der Faehrmann die ankommenden Toten ueber den See Estigia zum Hades.Um die Reise zu bezahlen wurden den Verstorbenen eine Muenze ueber jedes Auge gelegt.Eine um de Faehrmann zu entlohnen,die andere fuer etwaige Notwendigkeiten in der Unterwelt.Im Mythos befreien sich die Seelen von der Huelle,dem Koerper.Auch Frank beschreibt in dieser Serie die Reise ins Innere und dabei das Aeussere ,Obeflaechliche und Unnoetige ausschliesst.Fuehlen fuehlen bis ins InnersteSeine Arbeit" Naehte" hat einen schmerzvollen,femininen Charakter,der sich wiederspiegelt in der Unfaehigkeit seine Unzufriedenheit ueber bestimmte gesellschafliche Begebenheiten auszudrueckenFrank Westermann,der sensible Betrachter der uns umgebenden Realitaet,zeigt uns mit den Portraets der Frauen,deren Lippen zugenaeht sind,das Un vermoegen sich verbal ueber auseinanderzusetzen in iner Realitaet die von Ungerechtigkeit gepraegt ist.Er setzt der Gesellschaft einn Spiegel vor.Diese Bilder,wunderschoen,provozierend zeigen Frauen,die trotz zugenaehter Lippen nicht schwach sind.Sie sind stark,lehnen sich auf,schreien durch die Naehte,aber manchmal finden die Schreie auch tief drinnen statt.
Kehren wir zum Fuehlen zurueck,fuehlen bis ins innerste
FRANK WESTERMANN
Coins / Cosidas
Wenn wir uns vor die Arbeit eines Kuenstlers positionieren, betrachten wir es, versuchen den Schluessel zu finden wie uns treiben zu lassen vom Gefuehl. Man weiss nie wohin uns jedes Kunstwerk fuehrt und was unser eigenes Unterbewusstsein sagt und wie wir uns darin wiedererkennen. Die Betrachtung ist wichtig, sich von der Arbeit einfangen zu lassen, zu sehen und zu begreifen.Ich bestehe auf diesen Prozess, weil in unserer Gesellschaft immer alles schnell gehen muss, wir konsumieren und wir werden konsumiert. Auf jeden Fall braucht man Zeit und Stille um sich mit einer Arbeit auseinanderzusetzen. Diese Voraussetzungen sind der Schluessel zu den Arbeiten von Nahikari, in den Worten der Kuenstlerin ùeber ihr Werk mit dem Titel Wiedergeburt sagt sie: Der stille Verfall der Schoenheit ist unbekannt und voll Magie. "Die Zeit formt einen Teil der Arbeit, die Umwandlung zum Organischen und das Vergaengliche bringt eine Schoenheit hervor, unkontrolliert, verwandelt und ewig. Das ist der Moment, den Naikari gewaehlt hat. Wie kontrolliert man das Unkontrollierbare, wie macht man die Sterblichkeit ewig? Aber Naikari fuehrt uns viel weiter, weil die Bilder die wir sehen einen konkreten Moment zeigen. Sie bringt uns dazu zu visualisieren woher er kommt. In genau diesem Moment waehrend wir uns still auf die Schoenheit des Bildes konzentrieren treten wir ein in den Widerspruch der vergaenglichen Realitaet.
Bei der Auseinandersetzung mit dieser Serie spuere ich wie Naikari mit Stereotypen und Stillstand bricht.
